ATLAS. ¿Cómo llevar el mundo a cuestas?

Atlas es una propuesta para hacer visible el marco de pensamiento introducido por el historiador del arte alemán Aby Warburg (1866-1929) en el conocimiento histórico y de las imágenes. No se trata de una exposición monográfica sobre Warburg, sino de un recorrido por la historia de las imágenes desde 1914 hasta nuestros días, donde el pensamiento warburgiano constiutuye el genius loci.

Warburg constituye para la Historia del Arte el equivalente a lo que Freud, contemporáneo suyo, fue para la psicología: incorporó cuestiones radicalmente nuevas para la comprensión del arte. Mediante su Bilderatlas o atlas de imágenes, compuesto entre 1924 y 1929 y que quedó inconcluso, Warburg consiguió transformar el modo en que se comprenden las imágenes. Lo denominó Mnemosyne, como forma de expresar que su cuestionamiento se refería a la memoria de las imágenes, incluida la memoria inconsciente, teorizada en esa misma época por Freud en el plano psicológico.

El atlas Mnemosyne posee 60 láminas con imágenes que rastrean la pervivencia de símbolos y arquetipos que migran desde la antigüedad. Ese dispositivo abierto constituyó para Warburg la respuesta a una situación psíquica que lo mantuvo recluido en el sanatorio de Kreuzlingen, de 1921 a 1924. En él reúne todos los objetos de su investigación en un dispositivo de “paneles móviles” constantemente montados, desmontados, remontados. Mnemosyne fue su obra maestra y su testamento metodológico, un atlas de imágenes que constituye una obra de referencia para historiadores del arte y artistas, ya que implica una cosmovisión susceptible de recomponerse una y otra vez a través del juego de las asociaciones. Con él modifica la manera de concebir las relaciones de las obras entre sí y de todas juntas frente al devenir histórico. Constituye el obrador de un pensamiento inagotable sobre las imágenes y sus destinos, un ensayo visual lejos de actuaciones museológicas.

La exposición ha sido concebida para favorecer la comprensión del trabajo de algunos artistas y cómo su trabajo puede considerarse desde un punto de vista de método auténtico e, incluso desde un conocimiento transversal y no estandarizado del mundo. En esta exposición no se exhiben las bellas acuarelas de Paul Klee, sino su modesto herbario y las ideas gráficas o teóricas que brotaron de él, ni los cubos minimalistas de Sol LeWitt, sino sus montajes fotográficos en las paredes de Nueva York. Antes que las obras, como resultado del trabajo, se muestran los espacios operativos, las superficies de realización del trabajo mismo y constituye una nueva forma de contar la historia de las artes visuales alejada de los esquemas históricos y estilísticos del academicismo.

Organización:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Comisariado:
Georges Didi-Huberman

Itinerancia:
ZKM Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe (7 mayo – 28 agosto, 2010); Stiftung Falckenberg, Hamburgo (24 septiembre – 27 noviembre, 2011)

Exposición – ATLAS

▶ Entrevista con Janet Cardiff y George Bures Miller

En la instalación que han concebido de forma específica para el Palacio de Cristal, Janet Cardiff y George Bures Miller apelan a nuestra condición de voyeur, instándonos a que nos acerquemos a mirar y curiosear en el interior de una roulotte solitaria. En su interior nos encontramos a una mujer aparentemente dormida así como una serie de marionetas y muñecos en proceso de ser creados y la figura de un anciano dibujante que parece estar pensando cómo insuflarles vida. Una escena cargada de connotaciones metafóricas que nos invita a reflexionar en torno a cuestiones como el paso del tiempo, el poder aleccionador que tiene la imaginación (tanto individual como colectiva) o las servidumbres y limitaciones de la pulsión creadora.

Vía Entrevista con Janet Cardiff y George Bures Miller

Graffitis de José Antonio López Zamora y Antonio Rizo Moreno

Los artistas urbanos José Antonio López Zamora y Antonio Rizo Moreno han transformado el exterior de varios contenedores de vidrio situados en Caravaca, atendiendo a un encargo del Ayuntamiento de esa ciudad con el objetivo de fomentar entre los vecinos el reciclaje de residuos.

Vía

Philippe Halsman, “Dalí Atomicus”, 1948

Philippe Halsman, Dalí Atomicus, 1948

Philippe Halsman, Dalí Atomicus, 1948

“In 1941 Halsman met the surrealist artist Salvador Dalí and they began to collaborate in the late 1940s. The 1948 work Dali Atomicus explores the idea of suspension, depicting three cats flying, a bucket of thrown water, and Salvador Dalí in mid air. The title of the photograph is a reference to Dalí’s work Leda Atomica which can be seen in the right of the photograph behind the two cats. Halsman reported that it took 28 attempts to be satisfied with the result. Halsman and Dali eventually released a compendium of their collaborations in the 1954 book Dali’s Mustache, which features 36 different views of the artist’s distinctive mustache. Another famous collaboration between the two was In Voluptas Mors, a surrealistic portrait of Dali beside a large skull, in fact a tableau vivant composed of seven nudes. Halsman took three hours to arrange the models according to a sketch by Dali. A version of In Voluptas Mors was used subtly in the poster for the film The Silence of The Lambs, and recreated in a poster for the film The Descent.”

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Dan Graham’s Poem-Schema

Dan Graham’s Poem-Schema

Dan Graham’s Poem-Schema

Una obra como Schema, de Dan Graham, tiene su mejor trasunto en el espacio figural, no discursivo, justamente en su propio autorretrato. (…) La obra no es la fotografía como tal, sino el propio dispositivo reflexivo-producente de visión.

José Luis Brea, “Fábricas de Identidad (retóricas del autorretrato)”

Roland Barthes, “La cámara lúcida. Nota sobre la fotografía”

Barthes, Roland (1982). “La cámara lúcida. Nota sobre la fotografía”. Barcelona: Paidós

Barthes, Roland (2009). “La cámara lúcida. Nota sobre la fotografía”. Barcelona: Paidós

Roland Barthes (Francia, 1915 – 1980) escritor y uno de los semiólogos franceses más relevantes del siglo XX. En la Universidad de París obtuvo las titulaciones de Letras Clásicas, Gramática y Filosofía. En 1934 se le diagnostica una tuberculosis que lo mantiene ingresado en diversos sanatorios durante más de diez años. Fue lector en las universidades de Alejandría y Budapest y posteriormente trabajó como investigador en lexicología y sociología en el Centro Nacional de Investigación Científica de París. Roland Barthes es autor de más de veinte estudios de semiótica estructuralista, análisis crítica de la obra literaria pero también de libros sobre fotografía, música, arte y cine. Entre sus obras destacan: La cámara lúcida. Nota sobre la fotografía, también aparecido en Paidós, editorial que ha publicado igualmente compilaciones de sus escritos como Lo obvio y lo obtuso. Imágenes, gestos, voces, El susurro del lenguaje, La aventura semiológica, La Torre Eiffel, Textos sobre la imagen y Variaciones sobre la lectura. Recientemente Ediciones Paidós ha publicado Del deporte y los hombres, estudio perteneciente a la documentación para un filme documental, inédito en lengua castellana (colección El arco de Ulises). Barthes murió en 1980 víctima de un accidente de coche cerca de la Sorbona, en París.

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El equipo de Mazzanti: “We play you play”, 2012-2014

El equipo de Mazzanti: Giancarlo Mazzanti, Carlos Medellín, Stanley Schultz, Juliana Zambrano, Eugenia Concha, Lucía Lanzoni y Mariana Bravo.

We play you play, 2012-2014
Nosotros jugamos, vosotros jugáis

Tablero de juego, piezas móviles

Julia Margaret Cameron

Julia Margaret Cameron. “The Echo”, 1868

Julia Margaret Cameron. “The Echo”, 1868

Julia Margaret Cameron fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico. Su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del grupo literario de Bloomsbury y a su sobrina nieta Virginia Woolf.

Los retratos de Cameron tienen un aspecto flou muy peculiar. Se cree que por azar descubrió una combinación de elementos técnicos que dieron como resultado una falta de nitidez, lo que se convierte en su sello artístico, la búsqueda del efecto flou -un cierto desenfoque con intención. Es este aspecto lo que le da el carácter poético a sus fotografías. De ahí que sea considerada uno de los antecedentes del pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX.

Curiosidades:

  • Los críticos de su tiempo la atacaron sistemáticamente por sus defectos técnicos.
  • Una de sus modelos preferidas fue Julia Jackson, su sobrina, que más tarde sería la madre de la famosa escritora Virginia Woolf.

Rovesciare i propri occhi (Giuseppe Penone, 1970)

Rovesciare i propri occhi ("Turning One's Eyes Inside Out")

Rovesciare i propri occhi (“Turning One’s Eyes Inside Out”)

Las lentillas de espejo recubren el iris y la pupila, al ponerlas me vuelven ciego… colocadas sobre el ojo indican el punto de división, de separación de lo que me rodea. Como la piel son un elemento de frontera, la interrupción de un canal de información que usa como médium la luz. Su característica de espejo hace que la información que llega a mi ojo se refleje. Al bloquear la extensión de la vista se eliminan datos útiles para mi comportamiento posterior. Cuando los ojos, recubiertos por las lentillas de espejo, reflejan en el espacio las imágenes que perciben con los movimientos habituales de la observación, la facultad de ver se demora en el tiempo y la posibilidad de ver en el futuro las imágenes que los ojos han recogido en el pasado se confían al dudoso resultado de la grabación fotográfica. La imagen que el autor, en la tradición representativa, percibe, memoriza y retransmite con la obra en un tiempo sucesivo, en este caso, es transmitida por la obra antes que el autor la haya visto. El retraso con el que me adueño de las imágenes, vuelve las lentillas de espejo adivinatorias del ver futuro.

Giuseppe Penone, 1977

Felix Nadar (Francia, 1820-1910)

Portrait of Felix Nadar (1820-1910), Photographer and Aeronautical Scientist

Retrato de Felix Nadar (1820-1910), fotógrafo y científico aeronáutico.

Nadar fue un fotógrafo francés por cuyo estudio pasó gran parte de la bohemia parisina de finales del XIX. En su taller expusieron por primera vez pintores impresionistas como Matisse, Cezanne, Degas o Monet.

Photo of Charles Baudelaire taken by his friend, French photographer Nadar.

Retrato de Charles Baudelaire tomado por su amigo, el fotógrafo francés Nadar.

Hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo, esto es, seguía los cánones clásicos ya sentados en la pintura con una nueva técnica.

En su obra, lo realmente importante es  el rostro del retratado, razón por la cual se prescinde de adornos superfluos. En aras del realismo desprecia el coloreado de las imágenes o su retoque, buscando con ello una mayor claridad.

A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia, en el año 1856, realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático; esta  innovación tuvo un gran interés militar.

Daniel García Andújar, “Sistema operativo”, 2014

Daniel García Andújar. Estamos vigilando, 1994

Daniel García Andújar. Estamos vigilando, 1994

Una exposición del artista visual, teórico y activista Daniel García Andújar (Almoradí, 1966), abrirá la programación del Museo en 2015. La muestra recogerá gran parte de las obras de nueva producción y trabajos anteriores pocos conocidos o nunca vistos en España.

A García Andújar se le considera uno de los mayores representantes del llamado net.art en nuestro país. Interesado en construir un discurso cultural a través de los medios digitales y de las tecnologías, cuestiona, revisa y reflexiona mediante la ironía y la utilización de estrategias de presentación de las nuevas tecnologías de la comunicación, las promesas democráticas e igualitarias de estos medios, criticando al tiempo la voluntad de control que esconden detrás de su aparente transparencia.

El artista opera desde el espacio público -utilizando la ciudad como principal referente- y la red como territorio para desarrollar su trabajo. En esta línea, las relaciones sociales y de poder se encuentran en un sistema de negociación en permanente redefinición, manifestando a través de sistemas informáticos las desigualdades y discusiones que generan estas relaciones.

Daniel García Andújar. Not Found, 2014

Daniel García Andújar. Not Found, 2014

Al afirmar que “el lenguaje puede cambiar el mundo o, al menos, debería hacerlo” Daniel García Andújar se sirve del lenguaje visual como la herramienta más valiosa de la práctica artística, asociada al ámbito digital contemporáneo. En 1996 nace Technologies To The People -una de sus obras más conocidas- hoy en día una entidad en sí misma y que funciona como marco conceptual para la práctica artística del autor. Germen de toda su obra posterior, como Postcapital Archive (1989- 2001) obra adquirida por el Museo Reina Sofía, está formada por diversos documentos entre los que se encuentran publicaciones, vídeos e imágenes que dibujan una radiografía de las transformaciones geopolíticas y de la situación de las ideologías comunistas y capitalistas contemporáneas.

Fechas: 27 enero 2014 – 4 mayo 2015
Lugar: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Edificio Sabatini. 3ª Planta.
Organización: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Comisario: Manuel J. Borja-Villel
Coordinación: Rafael García

vía Prensa – Daniel García Andújar. Sistema operativo. | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Agnès Varda, “Un minuto para una imagen”, 1983

Un minute pour une image, es una una serie de 14 minipelículas creadas y realizadas por Agnès Varda. Las premisas son: un minuto, una imagen y una voz en off. Un comentario de un minuto en cada fotografía, con voz anónima. Solo al final se sabe el nombre de los fotógrafos, anónimos o famosos, y los de los comentaristas. Los comentarios venían de distintas personas con ocupaciones diversas: fotógrafos, escritores, críticos de arte, panaderos, taxistas, empleados de pizzería, hombres de negocios,…

Agnès Varda, Une minute pour une image: Femme Algérienne, Marc Garanger, 1960

La serie se difundió por primera vez en la cadena FR3, del 31 de enero al 22 de julio de 1983, y luego en la cadena La Sept, del 5 de noviembre al 7 de diciembre de 1990. El diario Libération publicaba la fotografía del programa de FR3 de la víspera, con extractos del comentario.

Por fin el espectador (…) tiene tiempo para ver realmente una imagen en la televisión y jugar con el comentarista en esta minipartida de pinball televisada: it’s more fun to compete.

Alain Bergala, Le Journal des Cahiers du Cinéma n° 32, abril de 1983

Agnès Varda, Une minute pour une image: André Martin, 1968